CIRCUNNAVIGAZIONI SONORE

Il violino da Emanuele Parrini a Ravi Shankar

"uno dei possibili ascolti/percorsi nel mondo del violino"

Chi mi conosce sa che sono un onnivoro di musica, suoni d'ambiente o esibizioni estemporanee, ossia non mi limito al solo ascolto, la mia curiosità mi spinge nell'approfondimento di percorsi creativi che esigono studi di etnomusicologia, semiotica del suono, letteratura musicale e studi sociologici legati alla nascita di correnti musicali. Non mancano le nozioni di acustica e genetica del suono. Tutte queste informazioni sono reperibili su internet, l'importante è imboccare le strade giuste.

Detto così sembra più grande di quello che possa apparire, in realtà si tratta di un ossessivo amore per le manifestazioni sonore, dal suono dalla caffettiera al mattino all'interruttore della luce prima della buona notte.

Ci sono stati due eventi scatenanti che hanno infuocato la mia curiosità.

Il primo evento  mi ha fatto conoscere il Maestro Maurizio Petrucci, un punto di riferimento nella mia zona. All'epoca suonavo Punk/Rock, ero attirato da smanettoni di chitarra e basso di ogni estrazione, poi la folgorazione per John McLaughlin che mi dissero un seguace di Coltrane.

Coltrane si lui , A Love Supreme, se non lo hai sentito devi farlo.

Io tignoso dico me lo devo comprare, così vado da Messaggerie Musicali, storico negozio di dischi a San Lorenzo in Roma, e prendo "sto Disco"! ... Il primo ascolto è stato terrificante. Non sgradevole ma inaspettato. A quel punto mi sono detto o lasci perdere o ti metti a studiare. Così con grande sorpresa del Petrucci per un anno ho studiato solfeggio senza toccare lo strumento.

Il secondo evento, avvenuto poco dopo il primo, appunto studiavo chitarra classica e moderna col Maestro M.Petrucci che  mi fece esercitare sulle trascrizioni per chitarra del MIKROKOSMOS di Bela Bartok. Sempre il quel periodo il caso vuole che in un mercatino di libri usati trovo proprio il libro "scritti sulla musica popolare" di Bartok. Nella prefazione leggo che nel 1920 si trovava a Roma e che durante una gita ai Castelli Romani riconosce nei vicoli una melodia rumena cantata da una popolana di Albano (Laziale), non riconobbe le parole, sicuramente in un dialetto locale, ma la melodia era la stessa.

Io sono di Albano e stavo studiando Bartok e per puro caso mi ritrovo tra le mani il suo libro che poi diventerà il simbolo non che riferimento dell'etnomusicologia, da li ho sentito la chiamate e via con Carpitella, Lomax ecc.

Vi racconto tutto questo per giustificare l'inconsueta selezione di brani che vi proporrò in queste raccolte che ho chiamato semplicemente  "CIRCUNNAVIGAZIONI SONORE". Curiosi percorsi apparentemente lontani ma accumunati da quel meraviglioso linguaggi universale che chiamiamo Musica. 

Come si evince dal sottotitolo, iniziamo con Emanuele Parrini, un'icona del Jazz Italiano. Nella sua carriera ha percorso diversi generi musicali, dallo stile manouche elle esibizioni estemporanee, ha suonato in diverse formazioni e con artisti nazionali e internazionali. Compositore creativo ha pubblicato diversi album a suo nome ma il brano che ho scelto fa parte di un progetto solitario intitolato "viaggio al centro del violino". Un affresco di suoni che a mio parere o sensazione ricordano almeno nell'intenzione le opere musicali legate al flauto giapponese SHAKUACHI. 

Passiamo a una delle prime passioni di Perrini, nello specifico al Jazz Manouche. Non solo Django Reinhardt ma anche Stephane Grappelli ha contribuito in maniera sostanziale alla nascita e ribalta di questo genere e alla tipica formazione "Hot Club". Il brano è "J'attendrai" di Dino Olivieri. Curiosità, non solo il violinista e la canzone hanno origini italiane, anche la leggendaria chitarra SELMER suonata da Django e tutti gli interpreti del genere manouche è il brevetto di un visionario liutaio italiano Mario Maccaferri.

Ci allontaniamo dal jazz classico per arrivare a tempi più recenti con una collaborazione stellare composta dal violinista francese JeanLuc Ponty, John McLaughlin e Zakir Hussain, entrambi cofondatori del super gruppo Shakti che fondeva la musica classica indiana col jazz/rock degli anni 70. Il brano "Lotus Feet" è una composizione del 1976 di McLaughlin incisa più volte e con diverse formazioni.

Reduci da due progetti analoghi, McLaughlin con MAHAVISHNU ORCHESTRA

e Hussain con Shanti hanno dato vita al progetto Shakti, che lo scorso hanno ha compiuto 50 anni di attività. In questo brano di meta anni 70 sono accompagnati dal violinista indiano L.Shankar. 

West Meets East è l'album frutto della collaborazione tra Yehudi Menuhin e Ravi Shankar, entrambi musicisti classici ma di due scuole diverse, quella occidentale e orientale. Shankar ha ispirato e introdotto la musica indiana nella musica occidentale. Tanti musicisti del 900, provenienti da generi diversi, hanno assimilato la sua contaminazione. 

La Musica, in ogni sua forma e epoca, è un linguaggio universale comprensibile da ogni individuo.

Potevo approfondire ogni aspetto dei generi e degli artisti elencato ma non vogli diventi estenuante, per il momento vi lascio al solo ascolto, prometto che nelle prossime pubblicazioni ci saranno altri sviluppi per ogni argomento trattato.

Per approfondimenti sul violino jazz vi rimando al mio articolo pubblicato il 23 gennaio 2019 ... appunti in punta di violino ... 

https://musicistanonimo.blogspot.com/2019/01/ilviolino-jazz-cennistorici-nonsi-sa.html

Ricordatevi di vibrare!!! 

تنفُّس Breathing 

 Amal Murkus & Alessandro Sgobbio

 Album Cover (Photo © DeekSleem)

Durante il primo ascolto la cosa più apprezzabile di ogni brano è che entrambi hanno mantenuto il proprio stile creando un ambiente contrastante ma allo stesso tempo integrandosi l'un l'altro in una sola voce.

Questo progetto affronta il tema dell'amore in ogni suo "respiro", l'abbandono dell'amato o della propria terra, l'amore verso il prossimo e per l'umanità, esasperata da secoli di odio, dove la globalizzazione cerca di cancellare non solo le emozioni ma soprattutto le tradizioni, le radici di ogni popolo e con quelle più ostinate cerca in ogni modo di isolarle, reprimerle o annientarle.

Ma le tradizioni sono indispensabili per il futuro, sono come i fiumi che alimentano un lago, il lago è l'abbracci che accoglie le diverse culture che si intrecciano e si evolvono, si rafforzano e restituiscono l'energia necessaria e  vitale per i loro popoli. 

Oggi essere un artista palestinese è pericoloso ed è pericoloso anche per chi collabora con loro, ma l'amore per l'arte e la creatività vanno oltre la paura e la repressione. Diventano un simbolo di resistenza e integrità, responsabilità per se stessi e la propria gente. Non serve la violenza, come ci insegnano Amal e Alessandro, lo si può fare con determinata dolcezza.

I brani sono delle brevi poesie cristalline e ricche di luce, Risalatohu e La Ahada, i due brani scritti da Amal e Bah'ri l'omaggio alla città di Bari di Alessandro si amalgamano in maniera perfetta con le suggestive interpretazioni dei brani non originali, come nell'accorato Khodoniun, antico brano tradizionale delle donne palestinesi, dell'intenso brano Canta di Enzo Avitabile e nei due classici della musica araba Ahwak, di Abdel Halim Hafez con la partecipazione del musicista e compositore palestinese Firas Zreik al kanun e il canto popolare siriano Ya Mayla.

Come sottolineavo all'inizio, entrambi rimangono fedeli al proprio stile ma riescono perfettamente ad intrecciare i loro linguaggi in un piacevole e  articolato scambio di riflessioni.

Alessandro col suo stile inconfondibile, ricco di armonie dilatate, dipinge eterei paesaggi sonori rigogliosi di luce e riverberi cangianti, ottimo per la voce libera e fluttuante di Amal.

Amal, pur mantenendo un intenso legame con la tradizione canora del medio orienta, sa forgiare uno stile moderno , limpido e cristallino che dona all'intero progetto quella scintilla che lo distingue e lo esalta da altri progetti di contaminazione.

 

... in conclusione, per descrivere questo progetto, trovo molto appropriate le parole del Maestro Sufi Hazrat Inayat Khan:

"La musica, la parola che usiamo normalmente nel nostro linguaggio, non è altro che l'immagine del nostro Amato, ed è perché la musica è l'immagine del nostro Amato che noi la amiamo tanto"

 

https://www.levantinemusic.com/

AMAL MURKUS

Voce

ALESSANDRO SGOBBIO

Pianoforte, Elettronica

Special Guest on Track #4

FIRAS ZREIK

Kanun

Prodotto da Amal Murkus &

Alessandro Sgobbio

Registrato da Stefano Amerio

Studio Artesuono, Aprile 2025

Accordatore: Claudio Soligon

Cover: DeekSleem

Cover Singolo: Tuqa Al-Sarraj

Videoclip: Firas Roby

MAP OF A BLUE CITY

MARC RIBOT

Ribot racconta che quando sua figlia era bambina e lui un giovane padre, disegnò la mappa di una città in un blu intenso, ricco e vivido. Quando lui elogiò la sua mappa blu, lei lo corresse...

" non è una mappa blu, ma la mappa di una città blu". 

Quella distinzione gli rimase impressa e alla fine ispirò una curiosa canzone intitolata "Map of a Blue City", la traccia che da il titolo all'intero album.

Dopo una lunga gestazione, per il suo ultimo disco Marc Ribot ha deciso di tirare fuori la voce , lo fa in maniera delicata (Elizabeth - Say My Name - For Celia ), vibrante (Map of a Blue City - Sometime Jailhouse Blues), introspettivo(Death of a Narcissist - Daddy's Trip to Brazil). La voce è tremolante , incerta, svela riflessioni sussurrate dal proprio inconscio. Sentimenti forti e mutevoli, accomunati da una amore incondizionato per l'arte di stare al mondo da accettare o combattere con ogni mezzo.

Unico brano strumentale è Optimsm of the Spirit, un viaggio sonoro in una ipotetica Gost City, un lontano e cupo trambusto che poi risolve in piccoli raggi di sole.

Le tracce sono un collage di registrazioni casalinghe e  in studio, tutte composizioni originali ad eccezione di due brani, un originale interpretazione di " When the World's on Fire" dei Carter Family e il suo adattamento della poesia del 1949 di Allen Ginsberg, "Sometime Jailhouse Blues".

Questo disco racconta le fragilità intime dell'essere, una fragilità che ti scuote , che può farti cadere, una fragilità che rivela un'umanità immensa e sconfinata.

"Ci sono dure verità e fredde osservazioni in queste canzoni. Volevo che lo spazio fosse abbastanza piccolo da non poterci voltare dall'altra parte: ma abbastanza caldo da dare la sensazione di ascoltare la musica da un amico." Ribot

https://newwestrecords.com/collections/marc-ribot

Christina Courtin – viola (1, 4)

Pico Alt – violin (1, 4)

Christopher Hoffman – cello (1, 4)

Greg Lewis – Hammond B3 organ (3)

Tony Lewis – drums (3)

David Pilch – bass (3, 4)

Doug Wieselman – flute & sax (4)

Ted Reichman – accordion (4)

Jeremy Gustin – drums (4)

Ches Smith – glockenspiel (5)

Eszter Balint – background vocals (6)

Francois Lardeau – drums & percussion (9)

Marc Ribot – all guitars & vocals

Descansate Niño

https://folderol.it/

Verde spettacolo in corsa da inseguire

Da inseguire sempre, da inseguire ancora

Fino ai laghi bianchi del silenzio

Finché Atahualpa o qualche altro Dio

Non ti dica: “Descansate niño

Che continuo io”

“Alle prese con una verde milonga”, Paolo Conte

Descansate Niño è un racconto a due vie, da una parte è una storia autobiografica dall'altra è il tentativo di fotografare una generazione.

Athaualpa è la divinità immaginata da Paolo Conte che viene a sospendere gli indugi di un musicista intento a tergiversare sui tasti di un pianoforte alla ricerca dei mille significati, delle molteplici traiettorie e prospettive che una canzone può intraprendere prima di nascere. Mettere nero su bianco tanta musica che ho attraversato in questi anni è stato un gesto, per il momento che vivevo e la storia da cui arrivavo, sofferto e liberatorio allo stesso tempo.

C'è un'altra storia che vuole indagare questa musica e questo titolo, un'altra prospettiva, che è il racconto di una generazione, la mia, nata negli anni del boom economico, diventata brutalmente adulta per le strade di Genova allo sbocciare del millennio e poi resa inerte dalle crisi economiche degli anni a venire che ne hanno cancellato speranze, sogni e illusioni. Una generazione costretta all'eterna giovinezza, perennemente incastrata dalle tecnologiche necessità formali dell'apparenza in una retorica del "nuovo" a tutti i costi, di un utopico progresso senza radici.

In questa musica ci sono le mie radici che a fatica ho piantato negli anni della rabbia, ci sta la voglia e l'orgoglio di crescere per mettersi al servizio della propria storia, Descansate Niño è il mio intimo sguardo sul mondo che mi ha ospitato, il primo da uomo adulto.

Per questo suo nuovo lavoro molto intimo ed introspettivo Ancillotto ha scelto gli amici colleghi di sempre che meglio conoscono la sua storia e sanno come aiutarlo a raccontarla.

Alla batteria troviamo Alessandra D'Alessandro, batterista romana molto attiva nel territorio  capitolino, grazie al suo stile libero da schemi preconfezionati viene spesso coinvolta in progetti creativi di grande respiro. 

Oltre a tessere ricche trame di accenti in tutti i brani ci regala un'ottima dimostrazione del suo ampio linguaggio ritmico nel brano Hikikomori, che significa "stare in disparte" e che parla di solitudine. 

Con la sua "chitarra/organo" Ancillotto crea una cattedrale di suoni struggenti dando vita ad un flusso continuo ed etereo.

A completare il trio al basso troviamo Marco Zenini  che fa da collante e spina dorsale a tutto il progetto, interpretando con grande precisione la seconda traccia che Ancillotto ha dedicato ad uno tra i più interessanti contrabbassisti che animano l'ambiente musicale romano, Igor Legani.

  

Ad accentuare la romanità del trio, Ancillotto inserisce nell'album due brani di autori romani, "se telefonando di Ennio Morricone" interpretato magistralmente con una chitarra acustica che ricorda molto le incisioni Windham Hill Records.

L'altro brano è "sennò me moro di Carlo Rustichelli", qui rimaneggiato come fosse un brano di Tom Waits accompagnato dalla chitarra "six string samurai" di Jim O'Rourke, comunque intenso ed accorato come l'originale.

Gli ascolti di Ancillotto sono numerosi e di generi diversi, tutti accomunati da una malinconica nostalgia ed un sincero umorismo, come Demodé che è una lenta cavalcata alla Santo & Jhonny, Chattiña che ricorda un duello degno della regia di Sergio Leone dove i due pistoleri coinvolti sono Paolo Conte e Fred Buscaglione. Poi ce' Flemma un brano che sembra estratto da un vecchio Commodore64 che fa da colonna sonora ad un fumetto noir.

Rimane "Via Aurelia 253", che è ...

... "il luogo in cui l'idea di questo racconto ha avuto inizio e nel quale si è sviluppata, allo stesso tempo è la casa in cui sono radicate le origini della mia famiglia e dove potete venire a portarmi dei doni."

Si tratta di un brano onirico, corale, dove i tre si abbracciano in un solo corpo sonoro, una storia comune, di tutti ma con una unicità che solo pochi simili possono cogliere e beneficiarne.

Un album intenso, ricco di sfumature, che fa sorridere e sospirare.

Un cinematografo di suoni d'altri tempi che potete andare a vedere venerdì 7 febbraio alla Casa del Jazz a Roma.

https://www.casadeljazz.com/evento/giacomo-ancillotto-descansate-nino/

CrOnOSiSmA

di

marco cerri ciommei

https://www.horarecords.com/it/

"Secondo il grande scrittore statunitense Kurt Vonnegut un Cronosisma è un evento catastrofico nel quale l'universo ha una crisi di autostima e decide di interrompere la sua espansione e tornare indietro di dieci anni."

Queste sono una parte delle note di copertina del nuovo album di Marco Cerri Ciommei, registrato assieme a Giacomo Ancillotto alla chitarra, Luca Venitucci al pianoforte e Marco Zenini al contrabbasso. 

In questo nuovo o "vecchio" progetto Ciommei mette in scena ogni sua virtù, non è solo un ottimo musicista ma anche un altrettanto ottimo fotografo e videomaker, è anche un grande lettore e conosce molto bene  il valore e la poetica delle parole.

Con quest'opera ci dona quest'immagine senza tempo che in realtà è una cartoline che fluttua tra i ricordi e i sogni messi a decantare come del buon vino, per poi lasciare che tutto si disperda in piccoli atomi di luce e si trasformino in tenui armonie di suoni.

" Per Schopenhauer la relazione mimetica che intercorre tra la musica e il mondo è di natura analogica. tutte le arti belle, secondo il filosofo, sono «rappresentazione delle idee», ossia espressione di ciò che di «eterno e immutabile» vi è nei fenomeni, visibilità delle «oggettivazioni adeguate e immediate» della volontà."

Grazie al sostegno corale dei suoi compagni di avventura, l'album si muove tra melodie appassionate e malinconiche, ricche di chiaroscuri, fotografie di un album immaginario che giocano con la memoria, figure etere che danzano tra i sospiri, che bisbigliano tra le carezze. 

https://marcocerriciommei.bandcamp.com/album/cronosisma

La fragilità di quest'opere è disarmante, dirompente, è densa di una spiritualità onirica, un insieme di suoni denudati di ogni orpello o virtuosismo, in linea con quello che  affermava il Maestro Sufi Hazrat Inayat Khan... 

"L'uomo comunicava la sua sincerità, falsità, inclinazione,

avversione, piacere o dispiacere attraverso la varietà delle sue
espressioni musicali."

https://www.marcocerriciommei.com/

 Crêuza de Mä

quarant'anni dopo

Lo scorso sabato 4 gennai abbiamo avuto il piacere, grazie all'invito del team di promozione culturale di e con Guido Gaido, di partecipare alla data romana del tour 2024 di Mauro Pagani.

Il noto polistrumentista, compositore e produttore discografico bresciano, classe 1946, nei suoi decenni di carriera ha messo a punto diversi progetti discografici di grande successo. 

Tra questi c'è appunto Crêuza de Mä, al quale è dedicato il tour. L'albume del 1984 è stato realizzato in collaborazione con Fabrizio De André, cantato in genovese, una delle principali lingue impiegate nell'ambito della navigazione e degli scambi commerciali nel Mediterraneo, in particolare dal basso Medioevo al diciassettesimo secolo.

Al centro dei testi vi sono i temi del mare e del viaggio, dolori e passioni, temi forti che vengono espressi anche in musica, tramite l'ausilio di suoni e strumenti tipici dell'area mediterranea e registrazioni  in ambienti portuali, iconiche le voci dei venditori di pesce al mercato ittico di Piazza Cavour a Genova.

Pagani è salito sul palco con un look alla Leonard Cohen, elegante e misterioso. Purtroppo i segni del tempo gli hanno impedito di esibirsi ad uno dei suoi amati strumenti ad eccezione dell'unica cover, Forever young, firmata da Bob Dylan, dove ha suonato l'armonica a bocca. 

Oltre ai brani di Crêuza de Mä ha cantato anche altri brani celebri del suo repertorio come "Impressioni" di settembre (Mogol Mussida Pagani).

Il giovanissimo 78enne Pagani si è esibito  lucido e pieno di entusiasmo , la sua voce era ricca e potente , fragile e ammaliante , lui che è un bluesman méditerranéen a dato sfogo a tutte le sue energie per regalarci un concerto memorabile.

Molto emozionante il momento dopo il concerto dove Pagani è venuto verso il pubblico a salutare   vecchi amici , dimostrando , se ce ne fosse ancora il bisogno, la sua immensa umiltà .

"FOREVER YOUNG"

 

CIRCLES 44

IN THE GRIP

Aut Records

Circles 44 è un progetto nato a Bologna nel 2017, frutto della collaborazione tra Massimiliano Amatruda al pianoforte, Giuseppe Circelli alla chitarra e Andrea Grillini alla batteria, ai quali, nel 2022, si unisce Achille Succi al clarinetto basso e al clarinetto contrabbasso.

Artisti molto attivi, coinvolti in numerose collaborazioni e pubblicazioni discografiche, che spaziano dal jazz alla musica contemporanea, sempre intenti a promuovere un repertorio composto solo da brani originali, dove il linguaggio jazzistico fa da legante con tutte le alte forme che vi convivono. Questo lavoro, affiancato dall'attività concertistica, ha portato alla registrazione del primo album “Cratere”, pubblicato nell'ottobre 2020 dall'etichetta Aut Records. L'album ha ottenendo ottime recensioni dalla critica specializzata così come l'attenzione e la messa in onda ni molti programmi radiofonici, tra cui le trasmissioni di Rai Radio 3 “Sei gradi” e “Battiti”.

Lo scorso 31 dicembre è stato pubblicato sempre per la Aut Records l'album “ IN THE GRIP”, che vede la gradita collaborazione di Achille Succi. Così il trio si trasforma in quartetto, senza perdere la loro leggerezza e flessibilità. Anzi, tra tratti architettonici e altri più estemporanei, la sempre ed originale prosa dei loro brani acquista ulteriore freschezza e fluidità.

https://autrecords.bandcamp.com/album/in-the-grip

L'impasto sonoro è sempre ben bilanciato e li voci si muovono in un racconto multiplo e coeso, ricco di colori ed equilibrate dinamiche. Il piano di Amatruda più che seguire la orme dei pianisti jazz sembra venire da un solido serialismo di metà 900. La chitarra di Circelli sembra tessere una robusta ragnatela che sa catturare tutte la note che aleggiano nei pensieri dei suoi compagni. Succi, sempre originale, lascia trapelare un gustoso profumo delle storiche avanguardie jazz in stile AACM. Grillini, come ha già dimostrato in altre formazioni, sa gestire una intensa stratificazione ritmica, composta da piccole cellule che vengono lasciate fluttuare liberamente, poi abbandonate per delle nuove ed essere riprese successivamente, per essere sovrapposte e mescolate, senza attriti e battimenti.

Ho trovato il brano “Circle” molto rappresentativo per questo album, dove coesiste un ottimo equilibrio tra il più creativo serialismo europeo e i movimenti jazz delle ultime generazioni. Un ascolto fluido e stimolante dove non mancano momenti introspettivi ed articolati che meritano un ascolto più attento.

Nel cerchio di un pensiero

a volte mi riposo sognando.

(Alda Merini)

CIRCLES 44 feat. ACHILLE SUCCI

In the Grip

Achille Succi: bass clarinet, double bass clarinet

Joseph Circelli: guitars, fx, synth

Massimiliano Amatruda: piano

Andrea Grillini: drums

brani:

01. Spiral Dance 07.45

02. 1005 03.47

03. In the Grip 07.51

04. Gate 04.09

05. Circles 05.40

06. Linea (First Approach) 06.34

07. Affirmative Dot 06.50

08. A. A. 1942 05.47

https://www.autrecords.com/